С момента изобретения кинотехнологии и вплоть до появления звукового кино немые фильмы были единственной разновидностью кинофильмов. cоветский немой фильм 1928 года, комедия | Немое кино с тапером.
Кинопрограмма «Забытый немой»
Пышка (СССР 1934) Трагикомедия, Социальная драма, Немое кино _ Фаина Раневская. Для общемировой истории искусства немое кино, как и кино в целом, является пусть и очень значительной, но тем не менее просто очередной вехой внутреннего развития. немое кино стоковые видео и кадры b-roll. 5 немых советских фильмов, признанных шедеврами мирового кино. Мем «Неверный парень» появился 96 лет назад, и в нем есть Чарли Чаплин!
В Париже показали немое кино Узбекистана
немое кино стоковые видео и кадры b-roll. 12 февраля историк кино, киновед Евгений Марголит приглашает любителей и ценителей немого кинематографа посмотреть, в рамках своего авторского цикла «Немое кино с живой. «К 20-м годам немое кино стало законченной формой, не нуждавшейся ни в звуке, ни в чем-либо еще. Смотрите фильмы, сериалы, и мультфильмы из списка "Лучшие фильмы эпохи немого кино" в нашем онлайн-кинотеатре. Большой зал к/т Космос, ансамбль Петра Востокова7 апреля - Большой зал к/ц Ро.
Жители Екатеринбурга смогут принять участие в съемках немого кино
Сеть кинотеатров «Москино» 17 ноября приглашает жителей и гостей столицы на показ проекта «Немое кино с оркестром». Главное по теме «Немое кино» – читайте на сайте Рената Литвинова сняла немое кино.
Немой фильм 1918 года в российском прокате увидели 3 тысячи зрителей
Афиша фильма "Декабристы", 1926 год. Фильм был снят в 1926 году Александром Ивановским. Съемки частично проходили в усадьбе "Архангельское", в том числе в интерьерах дворца. Кадр из фильма "Декабристы.
Показ будет сопровождаться игрой на рояле когда-то принадлежавшем Юсуповым. За инструментом - Евгений Баженов, виртуоз лауреат Всероссийских и Международных конкурсов, выпускник Московской Государственной Консерватории имени П.
Сёдзо Макино был не только пионером национальной кинематографии, но и основателем первой в стране кинодинастии — все четверо его сыновей и две дочери вошли в историю японского кино, включая Масахиро Макино, продолжателя дела отца, добившегося известности в качестве одного из мастеров жанра «дзидайгэки». Масахиро Макино 1908—1993 на протяжении полувека работы в кинематографе снял более 270 полнометражных кинолент в различных жанрах — включая и сказки, и музыкальные комедии, но излюбленным для него был чисто японский киножанр дзидайгэки.
Фильм «Purgatorium» победил уже на 6 кинофестивалях, а также получил международный рейтинг IMDb. Теперь к этим наградам добавилось и признание, пожалуй, самого авторитетного и легендарного международного кинофестиваля. В работе над картиной приняли участие фильммейкер из Японии Егор Панковский режиссёр монтажа и Кирилл Сметанин из Владивостока 3D-художник.
Сергей Летов — саксофонист, импровизатор, основатель духового ансамбля «Три «О», участник «Поп-механики» Сергея Курехина. Фильмы в живом импровизационном озвучивании саксофониста показывались во многих городах России и мира, транслировались на телевидении и участвовали в программе международных фестивалей.
Госфильмофонд начнет показывать в онлайне немое кино в сопровождении живых оркестров
| Немое кино «Оборона Севастополя» озвучили | Эпоха немого кино больше всего запомнилась своими гэгами и атлетичными комиками, которые одновременно смешили и сами выполняли трюки. |
| Киноконцерт «Немое кино и оркестр» | В Нижнем Новгороде, в Государственном центре современного искусства «Арсенал» будет показано два фильма в формате «немое кино, живая музыка». |
| Может ли немое кино, снятое девять десятков лет назад, быть актуальным? | Дед легенды немого кино долгое время работал управляющим в имении князя Оболенского, за что и получил вольную для всей своей семьи. |
| Все кадры из фильма "Немая ярость (Silent Night) (2023)" | Своим последним немым фильмом режиссер бунтовал против безжалостных буржуазных порядков, замешанных на торжестве денег. |
В Париже показали немое кино Узбекистана
Невзрачный парень, каким был будущий Валентино, прибыл из Италии. Именно таким мы его видим в «Немой жизни». Он заявляет, что ему тесно на родине. Еще одно совпадение — имя возлюбленной: у того и другого это была Наташа.
Когда Влад сыграл болезнь Валентино, он сам тяжело заболел, оказался на пороге жизни и смерти. Мое выздоровление заняло почти пять лет. Из-за двух операций я сильно набрал вес и уже не мог играть Валентино.
Появилась идея разделить жизнь героя на несколько этапов, где играли разные актёры. Валентино, прошедшего огонь и воду, сыграл уже я. Я провел расследование ранней смерти Рудольфо Валентино, нашёл уникальные материалы, позволившие рассказать историю, которую никто не знал.
У Валентино была бурная юность. Свой опыт соблазнения он перенес на экран и стал первым в мире секс-символом мужского пола, но за это пришла и расплата. Великий любовник на экране в жизни не мог удовлетворить любимую женщину Наташу Рамбову.
Когда студия запретила ей вмешиваться в карьеру мужа, она его бросила. Валентино отчаянно пил таблетки, чтобы победить болезнь, но употребление лекарств привело к язве и ранней смерти. Этот проект - своего рода гибрид, совмещающий в себе немое и звуковое, чёрно-белое и цветное, художественное и документальное кино».
Изабелла Росселлини сыграла мать Рудольфо Валентино. Фото предоставлено съемочной группой Мать Валентино сыграла итальянская звезда Изабелла Росселлини - дочь шведской актрисы Ингрид Бергман и итальянского кинорежиссёра Роберто Росселлини. У нее несколько красивых проходов вдоль моря.
Она как мираж — появляется на миг и исчезает. Снимали «Немую жизнь» не только на Голливудском кладбище, но и в легендарном Китайском кинотеатре, где в 1926 году Валентино представлял свой последний фильм «Сын шейха». Оркестровая яма в фильме Козлова словно разделяет две реальности.
Дух Валентино обитает в партере, а на экране прокручивается как в кино вся жизнь актера.
Во-первых, на выходе звук получался очень бедным, поскольку конденсаторные микрофоны с широким частотным диапазоном они дают высокое качество записанной речи появились лишь ближе к концу 1910-х годов. Во-вторых, тогдашние усилители звука не могли распространить аудио на весь кинозал, и уж тем более кинодворец, вмещавший в себя порядка полутора тысяч мест рывок на рынке громкоговорителей также наступил лишь спустя десятилетие. Эта проблема была решена позже, когда инженеры снизили скорость вращения пластинки. Таким образом, прогресс не поспевал за инженерной мыслью — никто не мог представить, что лабораторные чудачества Эдисона менее чем через 30 лет станут киношным мейнстримом. В 1919 году немецкий «Триэргон» выпустил одноименную систему оптической звукозаписи это когда аудиальные частоты фиксируются прямо на пленке, а не на отдельном носителе , которая использовала пленку очень нестандартного формата 42 мм — кинотеатры с ней тогда не работали. Из-за этого по технологии «Триэргона» не было снято ни одного полного метра — лишь экспериментальные короткометражки, которые крутили перед сеансом в начале 1920-х. Де Форест снял кучу короткометражек в качестве proof-of-concept, но мейджоры так и не решились взять его на вооружение впрочем, Paramount ее использовала для озвучивания «Нибелунгов» Фрица Ланга — озвученную версию крутили на редких спецпоказах. Наконец, в середине 1920-х появилась система «Вайтафон» — она была основана на раздельной записи звука и изображения фильмокопия не предполагала совмещенную фонограмму, звук записывался на граммофонную пластинку — проигрыватель был синхронизирован с кинопроектором общим приводом.
Ранние talkies Warner Bros. Впрочем, у нее тоже был недостаток: фонограмму нельзя было монтировать, приходилось снимать длинные разговорные сцены одним дублем. Экранная речь значила для них одно: экспорт голливудских фильмов станет невозможным. Но растущая популярность граммофонов и радиовещания из-за нее стала падать посещаемость кинотеатров заставила их сменить приоритеты. Поначалу возникло такое удивительное явление, как кинодекламации: актеры, занятые в фильме, присутствовали в зале во время показов и озвучивали себя же прямо по ходу просмотра, либо находясь позади экрана, либо сидя рядом со зрителями. Позже мейджоры стали экспериментировать с синхронным звуком. Целей было несколько: они хотели разнообразить программу сеанса зрители из провинции могли посмотреть на ведущих исполнителей с Бродвея — с ними снимались небольшие «говорящие» ролики или же сэкономить на оркестре в маленьких городах как известно, даже в немую эпоху фильмы крутили не в полной тишине, а под аккомпанемент таперов — они стоили сильно дороже, чем записанный на пленку, растиражированный звук. В ту пору студия была на грани банкротства и шла на любые риски для выживания, потому и подписала контракт с «Вайтафоном». Снятый ими «Певец джаза» сложно назвать полноценно звуковым — это скорее немое кино, внутри которого есть «говорящая» короткометражка.
Его можно отнести к формату part-talkies то есть частично звуковых лент — они-то и составляли большую часть тогдашнего репертуара на пару с ререлизами старых немых картин, к которым добавляли синхронную музыку и саунд-эффекты. После «Певца», ставшего хитом проката, Warner Bros.
Действие происходит в XIX век, на Кавказе. Чтобы закрепить свою власть, царское правительство пытается выселить горцев за пределы России. Провокаторы пользуются неграмотностью жителей, чтобы они подали прошения о переселении в Турцию.
На фоне этих драматических событий развивается лирический сюжет любви красавицы Элисо, дочери старшины аула, к христианину — хевсуру Важии.
Среди кадров — центр города Иркутска 1915 года. На пленке длинной чуть больше минуты запечатлены люди, здания, улицы, манифестация по случаю вступления Италии в войну. Съемку проводил Дон Отелло, первый иркутский кинохроникер, итальянец по происхождению, вице-консул Италии в Иркутске, который владел несколькими кинотеатрами. В распоряжении команды проекта «Не немое кино» также есть записи с 1919 по 1937 годы.
СМИ в соцсетях
| В Архангельском на праздновании 105-летия музея покажут немое кино и кукольный спектакль - Родина | вошли в историю японского кино, включая Масахиро Макино, продолжателя дела отца, добившегося известности в качестве одного из мастеров жанра «дзидайгэки». |
| «Чаплин в кино»: лучшие фильмы легенды немого кинематографа покажут на большом экране | 26 августа, в преддверии акции «Ночь кино», в кинотеатре «Украина» Музея обороны Севастополя состоялось открытие выставки «Великий Немой в России: из Петербурга в Крым». |
| Люди и фильмы немого кино | Второе, мы всегда стараемся показывать классику кино, тем более классика кинематографа, одного из самых известных режиссеров-документалистов. |
Немой фильм 1918 года в российском прокате увидели 3 тысячи зрителей
Уезжайте, ради бога! Уезжайте отсюда навсегда. Умоляю вас! Иначе вы убьете меня... Вы уже всё растратили... Вы увлекающийся человек...
В 1888 году с использованием хронофотографии был снят двухсекундный фильм о людях, гуляющих в Западном Йоркшире, Англия, по саду на Оквуд-стрит под названием «Сцена в саду Раундхей». Многие учёные и инженеры начали массово повторять подобный опыт записи в других странах, в том числе совершенствуя и изобретая новые вариации устройства. В результате, с появлением на свет рулонной фотобумаги, а затем и целлулоидной плёнки, разработанной компанией Eastman Kodak, были созданы полноценные хронофотографические камеры, которые стали предшественниками киносъёмочного аппарата. В 1889 году изобретатели Луи Лепренс и Уильям Фриз-Грин практически одновременно запатентовали подобные устройства.
Хронофотографический аппарат, 1891 год Развитие киноаппаратуры приобрело довольно стремительные обороты. Буквально за пять лет технология прошла больший путь, чем ей удалось пройти за последнюю половину века. На основе разработанной инженером лаборатории Эдисона Ульямом Диксоном целлулоидной плёнки, сам Томас Эдисон получил патент на два устройства: «Кинетограф» — по факту первую кинокамеру и «Кинетоскоп» — устройство, ставшее первым массовым киноаппаратом, использующим перфорированную киноплёнку. Публике был показан короткометражный немой фильм «Приветствие Диксона». Томас Эдисон , 1891 год В 1894 году на Бродвее открылся первый «кино-кабинет», в котором были установлены десять «Кинетоскопов», предлагавших десяти людям по отдельности посмотреть за деньги разные киноролики. Чуть позже подобные «кабинеты» были открыты в Чикаго и Сан-Франциско. Интересен тот факт, что за счёт того, что Томасу Эдисону не удалось получить международные патенты на свои изобретения действие его патентов распространялось только на территории США , подобные устройства были «изобретены» по всему миру. Например, во Франции братья Огюст и Луи Люмьер создали аппарат под названием «Синематограф», который стал результатом усовершенствования «Кинетоскопа» Эдисона. В отличие от кинетоскопа Эдисона, который мог демонстрировать фильмы только одному человеку, синематограф позволял одновременный просмотр для нескольких людей.
Синематограф братьев Люмьер Впервые публика ознакомилась с демонстрацией работы «Синематографа» 22 марта 1895 года в зале дома 44 на улице Ренн в Париже. Братья Люмьер показали фильм «Выход рабочих с фабрики братьев Люмьер в Лионе». Сюжет был до банального прост и полностью заключался в названии картины, однако публика была в восторге. Вскоре мир увидел другой фильм Люмьеров — более знаменитое «Прибытие поезда на вокзал Ля Сьота». Первый же полностью коммерческий сеанс «Синематографа» состоялся спустя пол года в индийском салоне «Гран-кафе» на бульваре Капуцинок в Париже. На сеансе были продемонстрированы 10 короткометражных фильмов продолжительностью не больше одной минуты. Там же была показана первая постановочная кинокомедия — «Политый поливальщик», для которой был создан первый в истории киноплакат. Естественно все фильмы были «немыми». Однако зритель того времени выстраивался в огромные очереди, чтобы оценить новое чудо техники и стать уже не просто зрителем, а кинозрителем.
Это было обусловлено чисто технически. Стандартная катушка «Эдисон-Кодак» банально не могла вместить в себя плёнку большей длины. Более того, к тому времени ещё не были изобретены лентопротяжные механизмы, способствующие тому, чтобы слишком длинная плёнка не разрывалась внутри катушки киноаппарата. Проблему удалось решить в 1897 году изобретателю Вудвилу Латаму, который создал так называемую «петлю Латама», благодаря которой киноплёнка больше не разрывалась. Устройство петли Латама Со временем киноплёнка обрела технические стандарты, заключающиеся в наличии перфораций — отверстий, предназначенных для точного перемещения киноплёнки на шаг кадра при помощи скачкового механизма. В проекторах появились холостые лопасти обтюратора. В совокупности эти нововведения устранили неустойчивость и мелькание изображения, характерные ранее выпущенным фильмам. Зрительский глаз перестал уставать уже спустя несколько минут после начала просмотра. Увеличилась общая длина метража киноплёнки и соответственно количество воспроизводимых минут.
Кинематограф подошёл к моменту полноценного становления, как отдельного вида искусства. Терминология и технические стандарты Вообще называть немое кино «немым» не совсем правильно. Исходя из определения, немой фильм — это фильм, в котором отсутствует записанный и синхронизированный звук. В частности при просмотре немного фильма зритель лишается возможности слышать диалоги между персонажами. Однако в подавляющем большинстве случаев немые картины конца XIX - начала XX века сопровождались живой музыкой, а поэтому совсем беззвучными назвать их было нельзя. Идея комбинировать движущиеся картинки на экране с заранее записанным звуком почти также стара, как и идея эти картинки на экране показывать. Но в связи с техническими ограничениями и отставанием развития аудио-составляющей процесса кинопроизводства внедрение синхронизированного диалога и фоновых звуков в фильмы стало возможным только в конце 1920-х годов с появлением звукозаписывающей системы Витафон. Термин «немое кино» является ретронимом, то есть обозначает новое имя или название предмета, явления или действия, изменённое после того, как первоначальное наименование было использовано для обозначения нового предмета или комплекса предмета нового и ранее существовавшего. Иными словами, до появления звукового кинематографа, как такового понятия «немое кино» не существовало.
Для зрителей того времени это было просто кино и являлось оно не большим, чем технически более совершенной и привлекательной альтернативой театра. С появлением в картинах синхронизированного звука ранее вышедшие фильмы стали нуждаться в новом определении. Кинематограф конца XIX - начала XX века обрёл название «немое кино», в конечном итоге отграничившись рамками целой эпохи. Бастер Китон, Эдвард Ф. Клайн, 1920 год По тому же принципу, к слову, «акустическая гитара» появилась только после создания электрогитары, а Первая мировая война стала «первой» исключительно после того, как мир столкнулся со Второй мировой войной и тд. Почти все кинокартины того времени выпускались на 35-мм киноплёнке с двухсторонней перфорацией и шагом кадра в 19 мм. Изначально система обработки киноплёнки существовала в двух вариациях: «американской» и «французской». Главным отличием этих двух систем являлось количество и положение перфораций на плёнке в пределах одного кадра. Эдисон предлагал четыре прямоугольные перфорации на шаг кадра, Люмьеры отдавали предпочтение одной круглой.
Отличие американского слева и французского справа формата перфораций киноплёнки Несмотря на популярность и большую распространённость люмьеровского «Синематографа» именно система Эдисона была выбрана Конгрессом кинопредпринимателей в качестве общемирового стандарта, который к 1932 году стал основой для классического формата звукового кино. Вследствие этого «классическое» соотношение сторон экрана 1,33:1, характерное для немого кино слегка изменилось до «академического» 1,375:1. В современном кинематографе привычные для немого кино размеры кадра используются в кинематографической системе «Супер-35». Стандартной скоростью проецирования немого кино в то время считалась частота кадров, равная шестнадцати в секунду. Такая скорость закрепилась после успеха «Синематографа» братьев Люмьер, которые посчитали, что это более чем достаточный показатель для комфортного просмотра фильмов. В принципе, сказать, что они ошибались было нельзя. Однако в противовес работам Люмьеров, Эдисон снимал свои фильмы с частотой 30-40 кадров в секунду. И ровно также, считать его подход неправильным было довольно сложно. Особенность заключалась в том, что в отличие от звукового кино, в котором было недопустимо изменение скорости проецирования, так как из-за этого искажался звук, качество немого кино никак не зависело от темпа воспроизведения.
Чарльз Чаплин, 1916 год Первые кинопроекторы в своей конструкции не были оснащены стабильными электроприводами. Вместо автоматизированной системы плёнку вручную прокручивали киномеханики. В то время человек, крутящий ручку проектора считался не менее важной персоной, чем тот, кто кино снимал. Подбор скорости и темпа воспроизведения фильма было отдельным видом искусства. Более того, это была весьма ответственная работа. Слишком медленное проецирование плёнки на основе нитрата целлюлозы было сопряжено с риском возгорания, поскольку каждый кадр в течение длительного времени подвергался воздействию высокой температуры проекционной лампы. Слишком же быстрое воспроизведение было чревато появлением головокружения и чувства тошноты у зрителей. В балансе находилась истина. Бастер Китон и киноплёнка Однако зачастую скорость воспроизведения того или иного фильма предопределялась заранее, исходя из жанровой принадлежности, характера публики, популярности картины или времени суток её показа.
Например, для «оживлённой» публики было принято проецировать фильмы с частотой кадров 20-30 в секунду, тогда как для публики более спокойной частоту снижали до 18-24 кадров. Комедии показывались в ускоренном формате, фильмы ужасов обычно замедляли. Также имело место банальное увеличение скорости воспроизведения с целью повышения «проходимости» залов ради финансовой выгоды. Доходило до того, что фильмы проецировались с невероятной для того времени скоростью в 50-60 кадров в секунду. Изображение искажалось до неузнаваемости, а зрителям становилось не по себе. В связи с этим немецкая полиция даже выпустила постановление о запрете проецирования кинофильмов с частотой кадров выше стандартной. Например, многие сцены из фильма «Кабинет доктора Калигари» 1920 с Фридрихом Фехером в главной роли имели янтарный оттенок. С конца XIX века в кинематографе появилось понятие «тонирование» плёнки. Суть этого процесса заключалась в химической обработке чёрно-белого позитива или отдельного кадра , приводящей к изменению окраски тона этого кадра.
Фильм целиком или отдельные сцены не становились разноцветными, однако они приобретали один общий оттенок, характеризующий то или иное настроение экранного действия. Чаще всего картины тонировались в синие, жёлтые, красные оттенки, или оттенки сепии. Роберт Вине, 1920 год Ручное нанесение краски на плёнку началось в 1894-1895 годах в Соединенных Штатах, когда Томас Эдисон выпустил в прокат отобранные вручную и склеенные части тонированной плёнки под названием «Танец бабочек» или «Змеиный Танец Аннабель» 1895. В этом, к слову, первом цветном фильме, по крайней мере, произведённом Томасом Эдисоном, Аннабель Уитфорд, юная танцовщица с Бродвея танцует в красивом платье в течение тридцати секунд. По ходу танца цвет платья девушки меняется от белого до красного и наоборот. Такая техника окраски киноплёнки была разработана, чтобы запечатлеть эффект живых выступлений американской актрисы Лой Фуллер, начиная с 1891 года, в которых сценическое освещение с особыми цветными гелями создавало ощущение художественных движений рукавов и подола её прекрасного платья. Эксперименты с цветной плёнкой продолжались до 1909 года. Потребовалось гораздо больше времени, чем ожидалось изначально, чтобы цвет в кино вошёл в более массовый оборот, перейдя из категории опытного исследования в полноценную разработку. Томас Эдисон, 1895 год Однако кино не сразу стало цветным именно в том понимании, о котором мы привыкли думать сейчас.
Первые, так называемые, «цветные» фильмы представляли собой скорее небольшие палитры с набором нескольких красок, нежели полноценные разукрашенные полотна. В самых ранних цветных фильмах синий цвет обычно означал ночные сцены, жёлтый или оранжевый — дневные. Красный символизировал огонь или любовные настроения, а зелёный — таинственную атмосферу. Сочетание различных цветов и эффектов давало поистине поразительные результаты для того времени. Сирл Доули, 1910 год Если говорить о чисто технической стороне вопроса, то окрашивание плёнки в тот или иной цвет основывалось на различных химических реакциях, проводимых между собственно плёнкой и специальными реагентами. Также довольно часто использовались и такие органические красители, как пиронин, фуксин, родамин — для красного цвета; метиленовый голубой — для голубого и синего; малахитовый зелёный или метиленовый зелёный для зелёного оттенка плёнки. Фотографии, тонированные в разные цвета. Вверху исходный цветной снимок, в центре его редукция до чёрно-белого, внизу — сепия Ручная окраска киноплёнки часто использовалась в ранних европейских фильмах жанра фэнтези, особенно в фильмах Жоржа Мельеса. Максимально точное тонирование плёнки применялось в мастерской Элизабет Тюилье в Париже, где группы художников-женщин вручную добавляли слои цвета к каждому кадру, вместо того, чтобы использовать более распространенный и менее затратный процесс трафарета, при котором краска на плёнку наносилась за раз по заранее готовым лекалам.
Например, отреставрированная версия фильма Жоржа Мельеса «Путешествие на Луну» 1902 года демонстрирует обильное использование цвета, призванного добавить изображению текстуру и объёмность. Жорж Мельес, 1902 год В начале XX века больше всего к окрашиванию немых фильмов прибегали во Франции. Об этом свидетельствуют данные каталога американских дистрибьюторов кинолент от 1908 года. Исходя из этих данных становится очевидно, что за окрашенные вручную фильмы дистрибьюторы просили большие суммы, чем за более классические чёрно-белые варианты. В каталоге такие фильмы именовались, как «ленты высокого класса». Например, обычная копия фильма «Бен Гур» 1907 года предлагалась за 120 долларов 3415 нынешних долларов , а цветная версия того же 12-минутного фильма стоила уже 270 долларов 7683 доллара , включая дополнительные 150 долларов за тонирование картинки. Да, тонировать киноплёнку вручную было удовольствием не из дешёвых. И пусть причины указанной надбавки были, вероятно, очевидны для покупателей и владельцев кинотеатров того времени, французские дистрибьюторы объясняли, почему цветные плёнки в их каталогах имели значительно более высокие цены и требовали большего времени для доставки в кинотеатры, сравнивая свои технологии с процессом раскрашивания киноплёнки, характерным для Соединённых Штатов Америки. Постер фильма «Бен Гур» 1907 года Ручное раскрашивание кинофильмов требовало огромного количества времени и трудозатрат.
Шутка ли, но каждый колорист должен был обработать до 16000 отдельных кадров на каждые 300 метров плёнки. В связи с отсутствием технологии трафаретного окрашивания на территории США, американские художники очень неохотно брались за работу по тонированию фильмов. Противоположная ситуация обстояла во Франции. Поскольку окраска плёнок в стране любви и багетов прогрессировала намного быстрее, чем в любой другой, все работы по тонированию фильмов выполнялись в лучших мастерских Парижа методом трафаретного нанесения красок, о котором говорилось выше и который ускорял работу художников в разы, сокращая и расходы, и время. Евгений Бауэр, Вячеслав Висковский, 1915 год К началу 1910-х годов, с появлением полнометражных фильмов, тонирование использовалось как ещё один параметр передачи настроения сцены, столь же обыденный, как и оркестровая фоновая музыка. Режиссёр Д. Гриффит проявлял большой интерес к разному цвету отдельных кадров и использовал тонирование, как особый эффект во многих своих фильмах. В его эпосе 1915 года «Рождение нации» использовалось несколько цветов, в том числе янтарный, синий, лавандовый и яркий красный оттенок, для таких сцен, как, например, «сожжение Атланты» или «появление Ку-клукс-клана». Позже Гриффит лично изобретёт цветовую систему, в которой цветные огни вспыхивали на областях экрана за полотном кинотеатра для получение того или иного оттенка разных частей кадра.
Сцена с красным оттенком, в которой демонстрируются участники Ку-клукс-клана в фильме «Рождение нации» Д. Гриффита В конечном итоге технологии тонирования плёнки так и не удалось прижиться в мире массового кинопроизводства. Преградой для дальнейшего развития подобного раскрашивания фильмов стало появление звука, интегрируемого непосредственно на плёнку. Именно с появлением звукового кино кинопроизводители отказались от техники тонирования плёнки. Причина была до банальности проста — красители, используемые в процессе тонирования нарушали работу звукового сопровождения, приводя киноплёнку в негодность. И если в то время это не было чем-то необычным, то, конечно, для современного зрителя подобный подход к воплощению роли, скорее покажется комичным, упрощённым или вовсе манерным. Чарльз Чаплин, 1931 год Искусство актёрского мастерства эпохи немого кинематографа корнями напрямую нисходило к театральным подмосткам. Именно из закулисья театральных сцен XIX века, сделав решительный шаг вперёд и встав перед камерой подавляющее большинство актёров ступили на новый виток собственных карьер. Отсюда и зародилась изначальная карикатурность демонстрируемых на экране образов того времени.
Всё позапрошлое столетие, что, к слову, было обусловлено ещё драматургическими законами античности, сценарно-исполнительское дело всецело умещалось в рамки определённых формальных категорий. Театральный репертуар составляли в основном мюзиклы, водевили, мелодрамы и оперы.
Снова в моде Принято считать, что сегодня чёрно-белое немое кино в массовой культуре — явление устаревшее, способное заинтересовать лишь редких эстетов или людей, изучающих историю кинематографа. Однако опыт «Артиста» Мишеля Хазанавичуса показал, что из любого правила бывают исключения. В 2012 году эта кинолента получила пять премий «Оскар», в том числе в номинации «Лучший фильм». Тогда кинокритики отмечали, что «Артист» напомнил людям о вещах, которые делают фильмы великими, — и это далеко не стереозвук или буйство цвета на плёнке. Подобные фильмы периодически выходят на большой экран. Также по теме Заклинатель мух: как любитель насекомых Владислав Старевич стал пионером кукольной анимации 8 августа исполняется 135 лет со дня рождения Владислава Старевича — одного из основоположников кукольной анимации, прославившегося...
В 1999 году финский режиссёр Аки Каурисмяки представил драму «Юха», получившую массу положительных отзывов критики и приз Европейской конфедерации художественного кино на Берлинском кинофестивале. Отсутствие звука и цвета экранизации одноимённого романа Юхани Ахо 1861—1921 позволило воссоздать особую атмосферу начала XX века. Нулевые годы подарили мировому кинематографу «Клеймо на мозге» сюрреалистичные и жутковатые рассуждения Гая Мэддина о детстве и семье , аутентичную «Антенну» Эстебана Сапира и «Доктора Плонка», напоминающего фильмы Чарли Чаплина. В 2012 году режиссёр Пабло Берхер снял в чёрно-белой стилистике свою «Белоснежку» — это по-испански страстное кино меньше всего походит на творчество комиков начала XX века.
Коллектив существует около 20 лет и неизменно следует своему пути. Группа — единственная в Северной столице «специализируется» на джазовой архаике. The Easy Winners Band исполняют джаз «эпохи расцвета» на нестандартных музыкальных инструментах. В распоряжении музыкантов духовой инструмент казу, самодельный контрабас бас-бидон, банджо и стиральная доска вместо ударных. Коллектив сопровождает свои выступления занимательным рассказом, из которого можно почерпнуть историю зарождения композиций.
В кинотеатре «Украина» открылась выставка «Великий Немой в России: из Петербурга в Крым»
Эйзенштейна «Броненосец «Потемкин» повлиял на умы? В январе 2023 года в России отмечалось 125-летие со дня рождения известного режиссера Сергея Михайловича Эйзенштейна. По такому случаю на одном из федеральных каналов был показан легендарный немой фильм «Броненосец «Потемкин». Он был снят в 1925 году и своеобразно повлиял на работы советских историков, и даже на воспоминания участников событий.
Вы услышите музыку, специально написанную нашими музыкантами для каждого фильма». Первая онлайн-трансляция состоится уже 1 мая в 19:00. Яков Протазанов, 1924 год.
Немой фильм-памятник впервые зазвучит! Голос за кадром — выдающийся советский, российский актер, народный артист России Виктор Сухоруков. Музыка на премьере будет живой — её обеспечит Севастопольский симфонический оркестр и военный оркестр Севастопольского полка Росгвардии.
Студенты-киноведы мастерской СПБГИКИТ Илья Мазуров и Михаил Кехман в настоящее время подводят итоги двухлетнего изучения немого кино на курсе «История зарубежного кино» и встреча с Дунаевским изначально планировалась как возможность совместно поразмышлять о вкладе немого кино в киноязык и историю кинематографических идей. Главный тезис, который был предложен гостем, оказался довольно оригинальным: немое кино объединяет кинематографистов и киноманов разных стран, поскольку оно предлагает очень многие открытия в области технологий, приемов и эстетики, нашедшие в дальнейшем свое применение в самых разных культурах и традициях. В свою очередь звуковое кино начинает разделять киноманские вкусы и сферы изучения по разным направлениям, системам и идеологиям.
Может ли немое кино, снятое девять десятков лет назад, быть актуальным?
Мероприятие состоится в рамках фестиваля «Русская Троя». За час до показа фильма, в 18:00, Севастопольский симфонический оркестр даст концерт классической музыки.
Режиссер пришел к выводу, что только за счет асинхронии звук может приобрести выразительность и даже подменять собой картинку, то есть стать полноценным нарративным элементом. О той же логике контрапункта писал и советский классик Сергей Эйзенштейн в своей знаменитой статье-заявке о «будущем звуковой фильмы» 1928. К тому моменту глава компании Уильям Фокс уже выкупил патент у немецких коллег из «Триэргона» и на основе полученных инженерных наработок придумал «Мувитон» — еще одну систему оптической звукозаписи, которая использовала 35-мм пленку и была гораздо мобильнее своих аналогов включая «Вайтафон», которым пользовались коллеги из Warner Bros. С такой аппаратурой режиссеры наконец получили возможность снимать свои звуковые ленты на натуре и преодолели визуальный архаизм первых talkies к слову, один из первых полнометражный опытов Fox, снятый с помощью «Мувитона», — это великий «Восход солнца» Фридриха Вильгельма Мурнау. Речь героев и разного рода шумы создавали эффект присутствия, заставляли поверить в подлинность экранного действа. Грохот артиллерии в фильме «На Западном фронте без перемен» 1930 Льюиса Майлстоуна и хруст костей в «Дракуле» 1931 Тода Браунинга вызывали чисто физиологический ужас и тем самым радикально меняли опыт просмотра. Получается, то, чего так страшился Рене Клер «сверхреализм» звукового кино, максимально далекий от онейризма немых лент , сильно обогатило эмоциональный заряд картин. Американские критики разнесли фильм за неудачный каст и неумелую режиссуру, но продюсеров это нисколько не остановило — вскоре all-talkies то есть полностью звуковые картины станут важной частью кинотеатрального репертуара.
Part-talkies и all-talkies имели оглушительный успех у аудитории. Кроме того, продюсеры стали выпускать саундтреки на отдельных звуковых носителях — так они открыли для себя новый источник прибыли. Кассовые сборы оправдывали любые вложения, поэтому вскоре студии занялись переоборудованием своих кинотеатральных сетей. Будущее наступило — и далеко не всем нашлось в нем место. Многие артисты немого кино, чей голос слабо нравился публике, оказались не у дел. Немое кино, в свою очередь, считалось настоящим искусством, трансформирующим реальность, поэтому многие бросились спасать его визуальное наследие. Самая известная среди них — Французская — была открыта в Париже в 1936 году. Принятие: победа прогресса В 1940 году с экрана заговорил Чарли Чаплин — наверное, самый упрямый противник звуковых новаций. Дело тут было отнюдь не в ретроградстве. Во-первых, слэпстик — главный чаплинский жанр — был явлением чисто визуальным и плохо сочетался с вербальными гэгами: они его просто-напросто тормозили.
Во-вторых, будучи уроженцем Лондона, Чаплин опасался, что его британский акцент разрушит универсальность образа Бродяжки и тем самым расстроит своего интернационального зрителя.
Дэвид Уорк Гриффит создал масштабное полотно, повлиявшее на развитие кинематографа, а особенно артхауса. Сюжеты в картине показаны не подряд, а параллельно, с помощью необычных монтажных переходов. При этом режиссёр одним из первых попытался пересказать классические истории с использованием именно киноязыка, а не только повествовательных приёмов. Увы, на момент релиза картина провалилась в прокате: многим она показалась затянутой и слишком сложной.
Слева направо: Мэри Пикфорд, Дэвид Уорк Гриффит, Чарльз Чаплин, Дуглас Фэрбенкс Самый известный актёр эпохи немого кинематографа — Чарли Чаплин — в 1910-х годах ещё активно продолжал использовать приёмы пантомимы и буффонады в короткометражных комедиях, сюжет которых выстраивался вокруг образа «бродяги» и которые были поставлены на поток киностудией Кистоун. Однако начиная с 1920-х в его творчестве стали фигурировать значительно более серьёзные социальные темы, чем это было в раннем периоде короткометражного кино. Что, конечно, отражалось и на актёрской игре. Ровно тоже самое можно сказать и про другого, не менее важного человека, определившего вектор развития кинематографа в эпоху его безмолвия. Бастер Китон, будучи выходцем из водевильной семьи идентично Чаплину со временем переступил порог в сторону большего реализма в исполнительском ремесле. Бастер Китон и Чарли Чаплин, 1918 год Тем не менее, изначально тренд на натуралистичность и глубину эмоционального окраса в работе актёра начал зарождаться ближе к концу XIX века в Русском Театре. Новая тенденция захватила умы молодых актёров и режиссёров, бросая вызов вековым традициям театрального искусства. Тенденция эта обрела довольно прозаичное название — «Реализм». Новые театры «Реализма» стали полагаться на полную естественность пребывания на сцене, копая вглубь основополагающих допущений в символической структуре исполнения. Зачинщиком этого сценического переворота и главным вдохновителем идеи «Реализма» был Константин Станиславский. Создавая альтернативный подход, он пытался найти не просто новый набор символов или жестов, а открыть во всех отношениях иную методологию, через которую зритель сможет воспринимать актёрское мастерство. Русский театр конца XIX — начала XX века Станиславский считал, что по-настоящему прожить роль своего персонажа актёру помогают не определённый набор действий, демонстрирующий идеи произведения и чувства актёра, а его внутренние переживания, подкреплённые жизненным опытом. Самый чистый перфоманс по Станиславскому — тот, который актёр не ожидает сам. Тот, когда личность актёра растворяется в персонаже. Как говорил об этом сам Константин Станиславский, оперируя собственными понятиями, «искусство репрезентации» должно перерасти в «искусство представления». Иными словами, маска должна стать лицом актёра. Именно этот принцип со временем и обрёл статус основополагающего на поле мирового кинематографа. Константин Станиславский Используя наработанные методики Станиславского, по ту сторону океана такие режиссёры, как Альберт Капеллани и Морис Турнер, начали настаивать на реализме в своих фильмах. К середине 1920-х годов многие американские немые фильмы приняли более натуралистический стиль актёрской игры, хотя не все актёры и режиссёры сразу приняли эти изменения. Ещё в 1927 году фильмы с гротескными перфомансами, например, «Метрополис» Фрица Ланга, всё ещё продолжали выпускаться. Конечно, их доля с каждым годом становилась всё меньше. Также, по словам Антона Каеса, специалиста по немому кино из Калифорнийского университета в Беркли, в американском немом кино в период с 1913 по 1921 год, помимо воздействия идей Станиславского, начался сдвиг в актёрских техниках под влиянием приемов немецкого немого кино. В основном это было связано с притоком иммигрантов из Веймарской республики, включая режиссёров, продюсеров, операторов, светотехников, а также актёров и актрис. Фриц Ланг, 1927 год В конечном счёте, по ходу становления кинематографа, как искусства в эпоху экранной тишины актёрская игра перестала быть лишь чёткой репрезентацией или симулякром, а стала содержать тонкие оттенки уязвимости, начав фокусироваться на личности, подтексте и подсознательном. В 1950-х годах «искусство представления» дало на экране жизнь таким актёрам, как Марлон Брандо, Джеймс Дин и Монтгомери Клифт. К концу эпохи немого кинематографа актёры научились полностью проживать собственные роли, пропуская через себя все душевные переживания персонажей. И даже сам театр принял те изменения, причиной которых стал изначально, оставив карикатурное исполнения в прошлом, лишь изредка прибегая к нему в виде исключения, но не правила. Жизнь в эпоху экранного молчания В пике своего рассвета эпоха немого кинематографа просуществовала примерно до начала 1930-х годов, когда первые кинофильмы стали обзаводиться полноценной звуковой дорожкой. Конечно, с точки зрения общемировой истории период, насчитывающий в своём активе не более тридцати пяти-сорока лет покажется одним мгновением. Однако и в рамках просто мировой истории кинематографа эта цифра с каждым годом становится всё менее масштабна, хоть и не менее значительна. Так или иначе, это было время становления. Становления новой формы искусства. Становления отдельного направления творческой мысли. Становления живо изменяющихся технологий, под стать стремительно движущемуся прогрессу. Становления целого отдельного мира, не похожего ни на что, и одновременно, напоминающего обо всём сразу. Это была настоящая жизнь. А, как известно, жизнь — штука совсем непростая. И если основоположники кинематографа — братья Люмьер — снимали свои фильмы, что называется, под крылом личной инициативы, то Томас Эдисон, конкурировавший с Люмьерами, как в техническом, так и в художественном планах, довольно быстро довёл эту идею до инициативы студийной. Томас Эдисон и его кинетограф Свою первую киностудию Эдисон основал в Вест-Ориндж, штат Нью-Джерси в 1892 году спустя год после того, как презентовал публике фильм «Приветствие Диксона», главную роль в котором исполнил инженер, работавший вместе с Эдисоном над аппаратом кинетографа, о котором говорилось ранее. Студия получила лаконичное название «Edison» в честь имени собственного создателя. Со временем, в 1907 году Эдисон изменил расположение студии, переместив её в Бронкс, штат Нью-Йорк. Помимо этого, в 1893 году Эдисон также смог открыть съёмочный павильон под названием «Чёрная Мария». Подавляющее большинство киностудий того времени также базировались в Нью-Йорке, распределяясь лишь по разным районам. Все остальные фильмы снимались в Форт-Ли, штат Нью-Джерси. Здание киностудии Эдисона в Бронксе, приблизительно 1907 год. Фотография сделана самим Эдисоном В декабре 1908 года Томас Эдисон принял решение о создании компании Motion Picture Patents Company, основной целью которой выступал контроль отрасли в попытке отстранения от производства и проката фильмов более мелких компаний. Распределение и управление кинокомпаниями также осуществлялось дочерней студией General Film Co. Содружество двух этих компаний смогло полностью захватить рынок кинопроизводства на Восточном побережье, вынуждая многие другие киностудии мигрировать на побережье Западное, где в это же самое время начинали зарождаться такие нынешние гиганты мира кино, как Universal Pictures 1912 , Paramount Pictures 1912 , Warner Bros. Многие студии перебирались или основывались именно в пригороде Лос-Анджелеса Голливуде, где были хорошие условия для натурных съёмок — много солнечного света и редкие осадки. Карл Лемме в молодости, основатель Universal Pictures Конечно, безапелляционная монополия компаний Эдисона на рынке кинопроизводства очень сильно насторожила правительство Соединённых Штатов того времени. Motion Picture Patents Co. В период с 1910 по 1917 год компания произвела и выпустила 1086 фильмов, в том числе первый в истории сериал «Тайна на миллион долларов», выпущенный в 1914 году. Постер фильма «Тайна на миллион долларов», реж. Актёры в костюмах ковбоев и коренных американцев скакали по съёмочной площадке ранчо Скотта, где была приграничная главная улица, широкий выбор дилижансов и 56-футовый частокол. Остров Статен-Айленд стал удобной заменой декораций таких разнообразных мест, как например, пустыня Сахара. Сцены военных баталий обычно снимались на равнинах Грасмера, Статен-Айленд. Фильм Дональда МакКензи и Луи Ганье «Опасные похождения Полины» 1914 года с его ещё более популярным сиквелом «Подвиги Элейн» того же 1914 года в основном снимались на острове. Там же снимался и блокбастер 1906 года «Жизнь ковбоя» компании Эдвина С. Примерно к 1912 году основная масса студий и работ над различными кинокартинами переместилась на Западное побережье, что, как уже говорилось ранее, было связано с деятельностью Томаса Эдисона. Кино-ранчо Фреда Скотта, 1902 год На территории тогда ещё Российской империи первые киностудии начали появляться в начале XX века. Правда, тогда они назывались не студиями, а ателье или киноателье. Основателем первого такого ателье стал Александр Дранков, севастопольский фотограф, который ещё в конце XIX века переехал в Петербург и основал там своё фотоателье, которое со временем и сменило основной вид деятельности. В 1907 году Александр Дранков побывал во Франции и Великобритании. За границей он посещал киносеансы, а после возвращения в Россию решил основать «первое в России синематографическое ателье», которое получило название «Торговый дом Дранкова». Первые фильмы, вышедшие из под крыши этого ателье были документальными. Дранков нанял операторов, которые создали хронику Первой русской революции 1905—1907 годов. Александр Осипович Дранков 1886-1949 В 1907 году силами своего ателье Дранков предпринял попытку снять первый художественный фильм в России — трагедию «Борис Годунов» по книге Александра Пушкина. Съёмки провалились. Создатели ленты ещё не понимали, как правильно располагать декорации, а актёры — как вести себя в кадре. В кинотеатрах «Бориса Годунова» всё же показали. В прокат картина вышла в незаконченном виде под названием «Сцены из боярской жизни». Тем не менее, год спустя Александру Осиповичу Дранкову удалось снять полноценный художественный фильм. Картина получила название «Понизовая вольница» «Стенька Разин». Ленту считают первой короткометражкой Российской империи. Интересно, что из-за ленты возник спор об авторских правах. Изначально Дранков создавал киноиллюстрации к спектаклю режиссёра Василия Гончарова, а потом составил из этих же кадров свой фильм. После премьеры картины Гончаров подал на Дранкова в суд. Однако по законодательству тех времен сценарии не считались литературным произведением, поэтому иск Гончарова суд не удовлетворил. Фильм «Понизовая вольница» «Стенька Разин» , реж. Владимир Ромашков, 1907-1908 год Также Дранков является создателем и первого в России сериала, причём детективного. Фильм из восьми эпизодов под названием «Приключения знаменитой авантюристки Софии Блювштейн» продвигался среди населения через продажу открыток с кадрами из картин. Александр Дранков одним из первых придумал кинофлаеры. Начало XX века вообще стало «урожайным» сезоном на появление киностудий по всему миру. Франция, Англия, многие другие страны Европы, страны Южной Америки и отчасти страны Востока вступили в эту гонку. Человечество осознало, что, как и в любом другом бизнесе, связанном с производством чего-либо очень важно поставить во главу угла определённое имя — компанию, отвечающую за все внутренние процессы. Этими компаниями и стали киностудии в мире кинематографа. Сюжеты коротких роликов кинетографа и синематографа были примитивны и повторяли тематику зоотропа — обычно зрителям демонстрировалось одно последовательное зацикленное действие, навсегда выхваченное кинокамерой из течения окружающей жизни. В конце 1894 года каталог кинороликов для кинетосокопа насчитывал уже около 60-ти наименований. В основном он был представлен картинами о дрессированных животных, акробатах, танцах, борьбе и прогуливающихся по улицам людях. Первое время зрителям было достаточно лишь наличия «движущихся картинок» на экране, повествовательная и художественная стороны кино их мало интересовали. Кинематограф воспринимался не больше, чем ярмарочное развлечение, способное приносить лёгкие деньги. Макс Складановский, 1895 год Зрелость киноискусства наступила в эпоху немого кино 1894 г. Промежуток с начала 1910-х до конца 1920-х был особенно плодотворным периодом, полным художественных новшеств. В этот период зародились кинодвижения классического Голливуда, французского импрессионизма, немецкого экспрессионизма и советского монтажа. Также, появившаяся со временем конкуренция среди кинопроизводителей заставила постановщиков совершенствовать сюжеты. Хотя делали они это не то чтобы охотно. Сюжеты комедий строились на глупых положениях или на контрастах. Герои гнались друг за другом, падали в речку или в грязную лужу; жена избивала мужа, приходившего домой пьяным; героя обливали водой при проходах его по улицам и садам; муж что было обычным сюжетом ссорился с тёщей, ссора оканчивалась, как всегда, дракой и победой тёщи. Луи Форестье, Французский, русский и советский кинооператор, с 1910 года работавший в России В результате сформировалось целое направление немого кинематографа, позднее названное «комедией затрещин». Фирменным приёмом таких фильмов стало метание торта, быстро превратившееся в штамп. От актёров зачастую требовались не драматические способности и не талант проживать жизнь своего персонажа, как свою собственную, а умение комично падать перед камерой. Впрочем, об этом уже говорилось ранее. Роско Арбакл, 1917 год Создатели немого кино стали первопроходцами в этой форме искусства, поскольку практически каждый стиль и жанр кинопроизводства XX-го и XIX-го веков уходят своими художественными корнями в эпоху немого кинематографа. Конечно, изобразительные и художественные возможности немого кино в начале его развития были чрезвычайно примитивны. Самые первые немые фильмы вообще снимались без какого либо монтажа и панорамирования — проще говоря, одним кадром. Съёмки фильма были скорее похожи на запись спектакля. Актёры на сцене отыгрывали свои роли, а кинооператор записывал их действия на плёнку, заранее устанавливая камеру таким образом, чтобы кадр под прямым углом захватывал всю сцену. Декорации представляли собой нарисованные на холсте предметы и здания, размещённые в деревянной раме на заднем фоне. К моменту первых шагов кинематографа, как искусства фундусная система декораций, позволяющая собирать и разбирать окружение частями, ещё не была изобретена. Непоколебимым условием было также и то, что актёры всегда снимались в полный рост без использования крупных, средних или общих планов. Если случалось так, что во время съёмок сцены актёр случайно или целенаправленно заходил за заранее обозначенные приколоченными досками границы, кадр браковали и снимали заново. Объяснение было простым — «человек не может ходить без ног». Освещение сцен также не представляло собой ничего хоть сколько то технологичного и зависело исключительно от погоды и доступности солнечного света. Солнечные лучи обычно пробивались на площадку через стеклянную крышу или светили напрямую, если таковая отсутствовала, а декорации монтировались прямо во дворе студии. Исходя из ориентирования на движение солнца по небосводу первый съёмочный павильон «Чёрная Мария», построенный Томасом Эдисоном имел поворотную конструкцию. Здание вращалось в зависимости от того, в каком положении находилось небесное светило. Искусственное же освещение в редких случаях устанавливалось только со стороны кинокамеры, не создавая светотеневого рисунка. Кадры ранних немых фильмов часто теряли нужный объём композиции. Кроме того, ещё до наступления эпохи звукового кино, в связи как раз с отсутствием этого самого звука многие режиссёры были вынуждены искать дополнительные возможности организации немого изобразительного ряда. Таким образом сложилась «немая» школа изложения сложного сюжета средствами монтажа и искусства пантомимы. Постоянные попытки превзойти те или иные технические ограничения со стороны кинопроизводителей в конечном итоге привели к таким незаменимым аспектам, в том числе и современного кинематографа, как трёхточечное освещение, крупный план, средний план, дальний план, панорамирование, непрерывное редактирование сценария в процессе съёмок и, конечно, умение работать с актёром. Эпоха немого кинематографа взрастила саму суть понятия «киноязык» и его визуальную сторону. Будучи военным в отставке в 1906 году он впервые посетил кинотеатр и сразу же загорелся идеей связать остаток своей жизни с кинематографом.